El arte ruso del siglo XVI
La iconografía ha sido el género principal del arte ruso en el siglo XVI, época que dio uno de los grandes artistas rusos; el notable pintor de iconos Dionisio el Sabio quien fue un artista brillante, quien continuó las mejores tradiciones de Andrei Rublev, pero con su propio estilo y personalidad.
Dionisio creó su propio estilo artístico, que en muchos aspectos sigue siendo un misterio para los investigadores contemporáneos dado que los íconos de Dionisio son especialmente festivos, cuando en el siglo XVI, el control sobre la pintura de la iglesia rusa se ha fortalecido y se enfocaba en un aspecto más estricto y en cierto modo sombrío.
Además, en esta época aparecieron motivos de glorificación del estado; ya que era un momento historio de transición después de la independencia y el nacimiento del impero ruso. Esta época se caracteriza con surgimiento de una nueva escuela: Stroganov, que se distingue en su miniatura, sutileza de dibujo y gracia en la pintura de iconos rusos. En dicho estilo o escuela, se mejoró la decoración y la composición de la imagen es complicada. Los maestros más famosos del arte ruso del siglo XVI fueron Procopius Chirin e Istoma Savin.
La pintura secular; un fenómeno relativamente nuevo entonces, también ocupa su propio nicho en la pintura rusa del siglo XVI. La pintura de la Cámara Dorada en el Kremlin es un claro ejemplo de la pintura secular rusa del siglo XVI.
El arte ruso del siglo XVII
La pintura rusa del siglo XVII está plagada de contradicciones que son visibles tanto en la pintura de iconos (Pintura religiosa) como en la pintura artística (O monumental).
La contradicción radica en la fidelidad a la tradición; interés en los dibujos polisilábicos, por un lado, por otro, el deseo de los artistas de “darle vida”, amor por las cosas pequeñas y los detalles en el ícono y el fresco.
El siglo XVII no puede considerarse el apogeo del arte ruso, ni se puede decir que estaba en gran declive. El ícono del siglo XVII, por supuesto, pierde en espiritualidad comparándole con los íconos de la época de Andrei Rublev por ejemplo, pero en menor medida en la técnica y la belleza del fresco.
En el siglo XVII, se crearon pinturas murales en el Kremlin de Rostov y Moscú, los templos de Yaroslavl, Vologda y otras ciudades rusas.
A pesar de la especialización desarrollada de la pintura rusa, el siglo XVII se convirtió en el siglo del arte y no de la falsificación artesanal. Destacados pintores de íconos vivieron en Moscú, que a finales del siglo XVII, comenzaron a trabajar como maestros en la Armería de Moscú.
Algunos maestros de renombre
A principios del siglo XVII, Procópius Chirin logró un gran éxito, nativo de Novgorod, sus íconos están hechos en colores suaves, las figuras a lo largo del contorno están delineadas con un borde dorado, blanqueado por un sutil efecto.
Otro notable pintor ruso del siglo XVII fue Nazariy Savin, quien prefería figuras de proporciones alargadas, hombros estrechos y largas barbas.
En los años 30 del siglo XVII, Savin dirigió el grupo de pintores de íconos que realizaron las filas festivas y proféticas de la diócesis para el iconostasio de la Iglesia de la Deposición del Manto de la Santísima Virgen en el Kremlin de Moscú.
A mediados del siglo XVII, se realizó un gran trabajo para renovar los antiguos murales de la Catedral de la Asunción en Moscú; conservando el esquema original, se completó muy rápido y ha sido supervisado por Ivan Pansein, destaca que los artistas bajo su liderazgo realizaron 249 composiciones complejas y 2066 caras.
En el siglo XVII el arte ruso, se destacó un deseo especial de los artistas por representar las personas que no se engloban en la temática religiosa de forma más realista; cosa que no era habitual antes. Así, en Rusia, el fenómeno como la pintura moderna (Para aquel entonces) comenzó a extenderse con obras que representaban reyes, comandantes, boyardos.
Pintura rusa del siglo XVIII
En la pintura rusa del siglo XVIII, el proceso de secularización continuó, que comenzó en el siglo anterior, la evidencia de este fenómeno fue el desarrollo del retrato.
En el siglo XVIII destacaron varios artistas notables que se hicieron famosos precisamente por realizar retratos; Ivan Nikitich Nikitin, Matveev (Andrey Matveevich), Ivan Adolsky y Zubov; artistas que dieron inicio al nuevo principio secular de la pintura rusa del siglo XVIII.
Al dibujar retratos, los artistas centraron más la atención a las personas, tratando de comprender el temperamento y las características del individuo, tratando de mostrar con precisión sus observaciones en el lienzo.
Además del género de retratos, la pintura rusa del siglo XVIII avanzo su desarrollo en áreas como paisajes eventos históricos y batallas.
La realización de las obras incluyo la perspectiva, la profundidad y el volumen de la imagen en el plano, la dirección de la luz; es decir que el arte ruso comenzó a ser más realista.
Segunda mitad del siglo XVIII
En la segunda mitad del siglo XVIII, la pintura se volvió más compleja en el componente de género, se formó todo un sistema de géneros de pintura: retrato, histórico, paisaje, monumental.
La Academia de Artes atribuyó gran importancia a la pintura histórica. En cuanto a los héroes de la historia rusa, los pintores buscaron despertar sentimientos patrióticos en el pueblo ruso.
El artista Anton Pavlovich Losenko logró grandes éxitos en el género de la pintura histórica, y su colega Grigory Ivanovich Ugryumov no se quedó atrás.
En la pintura del siglo XVIII, el paisaje se convierte en un género independiente, de los maestros reconocidos de la pintura de paisajes encontramos: Sylvester Feodosievich Shchedrin y Feodor Yakovlevich Alekseev; que realizaron acuarelas sutiles inmortalizando varios rincones pintorescos de ciudades y pueblos rusos.
El Hermitage se convierte en el centro cultural de la pintura rusa del siglo XVIII. En 1764, se sentaron las bases para la formación de una nueva colección de tesoros artísticos .
La pintura rusa del siglo XVIII es muy original e interesante. Se puede decir que es la culminación del esfuerzo de los artistas para conseguir mas enfoque y libertad de expresión, aunque quedo mucho por el camino para conseguir una verdadera revolución artística.
